Té para tres.

                                                                     

    Existen hilos conductores. No sé si son espirituales, intelectuales o simplemente azarosos, pero son. Están. Existen para todos nosotros, que nos demos cuenta o los ignoremos es otra discusión. Me pasó mil veces, lo reflejé con Wim Wenders en este lugar. Quizás estoy empecinado en registrar esos lazos incomprobables, lo cierto es que no me contenta aquella sentencia que dice "la vida es una tómbola", atribuyendo a la casualidad toda situación extraordinaria

    Borges escribió un poema, vaya uno a saber pensando en qué; tarea imposible ingresar en ese universo magnífico que es la imaginación del escritor argentino. Pedro Aznar le puso música a ese hermoso Poema, lo cantó acompañado por Mercedes Sosa. El resultado es una canción maravillosa, la combinación perfecta entre la Música y la literatura. Uno puede pensar que el hecho de componer conjuga siempre estas artes, sin embargo aquí se trata de otra cosa. No es el empeño de un músico por cuadrar la letra en la melodía, no hay un tirón de pelo semántico, un amontonamiento forzado de palabras para establecer una rima. No importa la rima, no existe. En Caja de Música la melodía es a la letra una suave tela que la acoge, la acompaña y la complementa a la perfección.

Música del Japón. Avaramente

De la clepsidra se desprenden gotas

De lenta miel o de invisible oro

Que en el tiempo repiten una trama

Eterna y frágil, misteriosa y clara.

Temo que cada una sea la última.

Son un ayer que vuelve. ¿De qué templo,

De qué leve jardín en la montaña,

De qué vigilias ante un mar que ignoro,

De qué pudor de la melancolía,

De qué perdida y rescatada tarde,

Llegan a mí, su porvenir remoto?

No lo sabré. No importa. En esa música

Yo soy. Yo quiero ser. Yo me desangro.

   George Harrison -otro nene- nos regaló en el año 1987 un trabajo cuyo título refleja claramente el mensaje del álbum: Cloud Nine. Esta expresión, Cloud Nine,  está harto presente en los angloparlantes, podés encontrarla en las canciones (sin buscar, recuerdo una de Bryan Adams) en libros o en las películas. La traducción literal no sirve, "nube nueve" transmite lo mismo que medio kilo de pan; una interpretación válida de estas palabras equivaldría a "estar en el cielo", rebozante de alegría, tocar el cielo con las manos, sentirse en el séptimo cielo...En conclusión, un estado pleno. De este disco hubo un single que se popularizó y aún sigue sonando hoy, I got my mind set on you. Para sorpresa de algunos -como yo-, ese hit pegadizo es un cover de una vieja canción de los 60. El resto del disco carece de melodías Beatles, tampoco tiene semejanzas con All thing Must Pass, la placa más lograda de Harrison en solitario y, para muchos, el mejor disco de un Beatle Solista, afirmación que dudo en compartir; Lennon y McCartney no se quedaron precisamente quietos después de separase. Como sea, el disco es más que aceptable, en lo personal me costó escucharlo entero; yo venía del Unplugged de Nirvana, de Pearl Jam, de Stone temple pilots y Cloud Nine es totalmente diferente. Las canciones que mas me cautivaron de ese disco las registré en una duermvela: Someplace Else y Breath Away From Heaven. Recuerdo que terminó el disco y busqué nuevamente las canciones para ver si efectivamente yo había escuchado lo que me pareció escuchar. Nunca lo sabré, la alteración que da el sueño me distorsionó las melodías, sin embargo registré Breath Away From heaven atrapando apenas algunas palabras en su idioma original. 

   Cuando escuché por primera vez Breath Away from Heaven me acordé de que existía. Así de Paradójico. Desconozco si se trata tarea de estudio de neurociencia o qué, no sé cómo pasa, cómo se da que uno siente que recuerda algo al momento de conocerlo. Quizás es una mera falta de  sincronización cerebral, un episodio similar a un Déjà vu. Un pequeño cortocircuito cerebral al que un iluso como yo trata de darle un sentido mágico.

  In another life

  I woke up dreaming with a sigh

  As the morning light

  Was painting whispers of a joy

  And I was in the candlelit bedroom

  Enchanting beauty shimmering magically

  Like an irridescent cloud

  Being blown by a westerly wind

  She can move your soul without you knowing

  She can take your breath away from heaven

  And I was captured by her loneliness

  A wounded tiger on a willowy path

  Like an opalescent moon all alone

  In the sky of a foreign land

  She can take your breath away from heaven

  She can move your soul without you knowing

  She can take your breath away from heaven

  She is like an everlasting blossom

  She can take your breath away from heaven

   Breath away from heaven y Caja de música tienen hilos conductores que se entrelazan. A veces pienso que son lo mismo, que hablan de lo mismo. El primer denominador común entre ambos es Japón. Es personal, quizás entre estas obras no haya nada en común, en ambas canciones lo primero que se me viene  a la mente es una pagoda. En Caja de Música es explicito, en la canción de harrison es el inicio instrumental lo que sugiere una presencia oriental. Las similitudes están también en la letra aunque no sé describir cómo o cuáles son las similitudes. Ambas canciones hablan de un más allá, no en el sentido de la muerte, sino de un mundo paralelo, mágico, pasado. Podremos incurrir en análisis de todo tipo, termino por creer que la melodía que Borges rememora es la canción de Harrison. No hay tiempo. Hay una espacio fuera de las dimensiones que uno alcanza, y ahí está Borges escuchando la canción de Harrison.

Me mata Limón

                                                                       
 Mucho, Negro...Mucho.

La historia es Cíclica. La vida en la Tierra es Cíclica. Hay ciclos tan prolongados que nos hacen pensar en una linealidad, sin embargo es sólo una ilusión. Claro, nadie de nosotros puede vivir lo suficiente como para comprobarlo, sin embargo las pruebas están a la vista: en las líneas de un viejo árbol, en el interior de una piedra, en el Carbono-14 o en la cara de Mirtha Legrand (?).

La música es cíclica. Hoy descubrimos nuevas canciones a las cuales les corresponden muchos adjetivos menos nueva. Vicentico se encarga de traer música del recuerdo e imponerla para las nuevas generaciones; como consecuencia,  muchos desmemoriados -o sencilamente ignorantes- le adjudican al ex lider de "Los Fabulosos..." la belleza de "Los caminos de la vida". No es una crítica hacia vicentico, es un panorama actual del reciclaje musical.

¿A dónde vamos con ésto? a la reiterada, incesante y siempre efectiva producción de bandas musicales de y para adolescentes. Hay más de una por década y siempre triunfan, con el lógico despegue de una por sobre el resto (New Kids on the Block en los 80, Backstreet Boys en los 90, Jonas Brothers en el nuevo siglo, los Wachiturros...) aunque cabe reconocer que en algunas épocas el liderato (comercialmente hablando) estuvo compartido.

Antes de todos estos putos grupos existieron miles de bandas conformadas por adolescentes o jóvenes que también la pegaron. La dinámica es siempre la misma: hay uno o dos que cantan bien: Timberlake en N´Sync, gary Barlow en Take That,  Howie D en los Backstreet Boys, Leíto en los Wachiturros (?); el resto cumple una función casi decorativa, haciendo pasos de baile y confirmando eventualmente un coro. Necesitás una figura, el resto lo hace la mano del manager/productor hace todo

 Este formato, esta idea de grupo que no funciona como sistema, sino como agregado de actores secundarios para una estrella, tiene orígenes a mediados del siglo pasado, y hoy nos centraremos puntualmente en el caso de "The Teenagers".



 The teenagers fue un grupo que allá, oculto en un velo de décadas, brilló fugaz e intensamente a mediados de la década del 50. El grupo, conformado por afroamericanos y puertoriqueños, venía de llamarse con otro nombre hasta la llegada de un tal  Frankie Lymon. ¿querés el nombre de la banda sin Frankie? buscalo en la web, pero es un dato al pedo que a nadie le importa, salvo que seas como esos pajeros Snob que quieren saber cómo se llamaban Los Beatles antes de serlo y cuánto calzaba George

  La vida de Frankie se puede resumir con esta hermosa canción que aprendimos de niños: PANCHO LOPEZ . El diminuto niño de New York, nacido en Harlem (cuánta grandeza, es cómo tener una banda de cumbia y haber nacido en La Matanza) cantó desde muy pequeño, junto a su familia o bien en cualquier ocasión que se le pidiese; cantaba por el pancho, la coca y el paco. Frankie era putañero como nadie, antes de cumplir los doce andaba con prostitutas y a los 15 ya consumía heroína, actitudes que para los moralistas de mierda representan una condena, aunque no para nosotros, quienes amamos su genio y simpatizamos con el muchacho.



 Volviendo a The Teenagers, lo concreto es que Frankie ya entró con el serrucho: se hizo amigo del cantante y, con sólo trece años, se sumó al grupo. Las letras de las canciones, inocentes la mayoría, provenían de cartas de amor o incipientes amoríos de los cantantes. Frankie fue uno más hasta el momento  de la audición, aquél día resultó glorioso para Frankie y nefasto para el grupo. Resulta que el cantante original había jugado un picadito (?) y estaba enfermo, razón que motivó la presencia de un cantante alternativo. Dicho lugar fue ubicado por Frankie, quien ya se sabía la letra y se despachó haciendo una excelsa interpretación que aparece aquí abajo, "Why do fools fall in love"

 Como se puede apreciar, el carisma que tuvo Frankie a ese edad no lo tenía el Diego zarpado en merluza ni gamuza de cebollitas. El negro fue un Crack, con sólo trece años la rompió en la TV estadounidense, desenvolviéndose como en su casa. Piensen lo que era ser negro en ese momento, dicen que en Alabama cortaron la luz el día de esa presentación. Enorme personalidad, invaluable carisma y una voz hermosa. Muchas cualidades para un negrito (?)

 El éxito de Frankie no hizo más que separar al grupo, los productores se centraban sólo en él, el grupo se llamó Frankie Lymon and the Teenagers pero al cabo de unos años se disolvió, el clima con los compañeros fue insostenible, Frankie estaba al tanto de que la banda era él y siguió con su carrera solista. Esta etapa,  en solitario, duró hasta que Frankie cambió su voz: mutó de Chicho Serna a Graciela Borges en una temporada y ésto empezó a disipar el interés de la audiencia por él.

El declive

  Como se registró arriba, la carrera de Frankie Lymon no fue muy exitosa siendo solista. Realizó algunos contratos, siguió sacando éxitos de mediano o bajo impacto. Llegó, incluso, a reunirse nuevamente con The Teenagers, pero el reencuentro no tuvo el éxito esperado en la audiencia, pensemos que ésto ocurrió un año después de la visita a USA por parte de los cuatro de Liverpool, ya nada era lo mismo.

 También hubo, por aquellos años, algunos episodios racistas hacia Frankie, siempre disimulados y camuflados baja la ridícula argumentación yankee al estilo de "bombardeamos un jardín de infantes porque pensamos que era una fábrica de misiles". Cierta noche Frankie decidió bailar con una joven blonda, acto que para los amigos del KKK fue algo más que un dedo en el culo.

  Frankie se casó, tuvo hijos, se separó, se juntó, tuvo más hijos...En fin, mucha información que hace a su biografía pero no así a su herencia musical. Hay una película muy divertida que solían pasar en HBO, lleva el nombre del gran éxito de la banda "Why do fools fall in love" . Encarecidamente les piso que me la pasen, si es que alguien se copa con Frankie.

  Frankie Lymon, cuyo rostro nos rememora a un joven Ceferino Namuncurá, o bien al hijo surgido de un encuentro swinger entre Los padres de Gary Colemann y los progenitores del Keko Villalva,  comenzó con la ingesta de sustancias tóxicas apenas puso los pies en la adolescencia. La heroína le arrebató la vida, o él se la entregó, a los 26 años. Un acontecimiento perjudicial para el mundo todo. 

El legado

Algunas presentaciones de Frankie Lymon, aquí abajo con The Teenagers, hermosa canción, ubicada en las antípodas del mensaje actual, en el que nuestros músicos hacen de la mala vida una accion para vanagloriar 

 Un éxito solista, quizás el más resonante de su  gris etapa en solitario:

Cinco años después...

... Dos meses antes.

Hace poco más de cinco años, por uno de esos vientos en el ojete que el destino te sopla en forma de caricia (?) tuve la suerte de presenciar un recital de Pearl Jam en Barcelona. El concierto me significó ver PJ dos veces en menos de un año, algo impensado hasta el 2005. La crónica fue un desastre, sin embargo rescato a ese yo que fui por haberla realizado. Dónde quiera que estés, yo pasado, te extraño a vos con tus quince kilos menos (?)

Fill me (?)

Vila-Real, 2 de septiembre de 2006

No podré describir nuevamente el viaje hacia Barcelona, ya traté una vez y salió convincente, ahora me limito a decirles que es hermoso. Para mejor, estuve un poco más organizado que cuando fui a ver a Anoushka Shankar, aquél día salí con cien euros que debían alcanzarme para el pasaje de ida y vuelta, la entrada (si conseguía) y los viáticos. Ayer salí con cien euros limpios, con la entrada adquirida hace dos meses y los boletos ya comprados, clase turista...Algo me dice que soy argentino. Me di el lujo de ir a la estación de tren en taxi, sí, yo, que me tomo el agua del rocío para no gastar dinero, me permití un día íntegro para mí, como esas minitas que se clavan barro, piedras calientes y masajes en el orto cuando pisan los 40 (?) En el tren me topé con un compatriota que puteaba el café del snack bar y el vaivén del vagón. Macanudo el loco, fuimos charlando de la vida mientras una playa se iba colmando de turistas a metros del tren.

Les traigo paaaaaaaaz (?). Presente, llevate los kilos que me impusiste.

En el mp4, nada de Pearl Jam durante el día, bah, sí, se me filtró black en medio del setlist y no me animé a saltearla, esa canción lo es prácticamente todo. Después fue surgiendo Tool, A perfect Circle., Beatles, algo de Moby, Oasis, The Verve (mucho), Bush, Calamaro, Sumo, Marley (bob), David Gray, Dave Matthews, Soundgarden con Outshined, Serrat (nostálgico), Juan Luis Guerra… sí, Juan Luis Guerra, Audioslave, Stone temple Pilots y muchos más que puse con el fin de despejar un poco lo que se venía...imposible. Se me aparecían todas las canciones de los otros, cronológicamente incluso. Me arrebataba la intriga de si, finalmente, podría escuchar Life Wasted en vivo.

No llevé ningún libro, sí algunas camisetas, la cámara imberbe como el que la maneja y nada más. Llegaba con la idea de ver el partido de básquet –España/Argentina, semifinal- rodeado de españoles con el ánimo disparado y la confianza plena. Acá están como locos, no es para menos, Gasol está firmando un campeonato terrible.

Como todo tiene que ver con todo, el estadio donde tocó Pearl Jam es el mismo dónde se coronó el mítico "dream team"de USA en 1992 (Jordan, Pippen, Bird, Jhonson, Ewing, Malone,etc) así que el almuerzo vendría a puro triple, doble y tiempo muerto.

Antes de ir hacía Badalona opté por montjuic, hermoso lugar con abundancia de verde y de establecimientos artísticos y culturales; Miró, Gaudí, arquitectos catalanes y muchísimas cosas más... Fantástico. Un castillo grandioso en la cima de la montaña que permite la vista de todo el puerto de Barcelona (nada pequeño). Durante todo el trayecto no escuché una sola palabra en español, japoneses, franceses y alemanes en mayoría, también un argentino rasca que iba y venía con cara de nene cumpleañero y una entrada para Pearl jam.

Después de Montjuic sí, el metro a Badalona. No sé si lo comenté con anterioridad, pero el viaje en metro va con música clásica, una buena opción para contrarrestar el tedio y sonido grave de las vías. En frente mio, y mirándome con mucha atención, había un peladito pálido que parecía estudiante de filosofía. Una vez que abandone el metro el pelado, que había bajado conmigo en la estación de Badalona, se acercó a hablarme, no pensé que sería gay, poco a poco dejás los prejuicios y los preconceptos, más aún cuando yo mismo soy de los que me pongo a hablar con alguien sin motivo aparente.

-Tu vas al concierto, es verdad? me preguntó con un acento extranjero, y… Muñeco, estoy con la camiseta de la gira española y a cuarenta metros del estadio, yo diría. El muchacho era italiano, vivía en valencia y le sobraba una entrada, a partir de ahí todo fue una sucesión de compañeros aleatorios y geográficamente variada: almorcé con un chileno mientas mirábamos el básquet, nos juntamos con dos catalanes y tres italianas esperando ver bajar a la banda (la vimos, pero en tres mercedes negras que hacían imposible divisarlos) después con los escoceses, otra vez con el chileno y el italiano, cervezas con los vascos y los andaluces, aparecieron los argentinos y se acoplaron, después los australianos y así hasta el final de los días. Yo tenía platea, esperaba que ver todo sentado y tomar fotos, pero poco a poco me daban ganas de estar en campo, decir que el chileno se pasó: me cambió una entrada que le sobraba y terminé entrando a campo, a la enorme distancia de...seis metros del escenario. Sí, seis metros que durante los primeros minutos fueron una horda de vikingos, pero que luego todo se fue calmando y hacia el recital del concierto la mayoría de los que estábamos contra la valla éramos sudamericanos.

Todo amor que exista en esta vida.

¿El concierto? a ver: Inside job, Corduroy, Breakerfall,...No sé, no puedo escribir más, no puedo contar todos los temas, todas las emociones, toda la gente, es una estupidez hacer una introducción para abandonar ahora, pero es así, recuerdo lo mágico del momento y me siento un imberbe escribiendo palabras lavadas con chascarrillos de mierda.

La noche de barcelona…Y ahora qué? Mientras tanto eddie cantaba “Why go home…Why go home”” y claro, no sé por qué me apresuro en ir a casa…

Lo que lamento de aquél momento es no haber ahondado en lo estrictamente concerniente al recital, porque fue un polvo de aquellos. La presencia de Wolfmother como banda soporte enriqueció el recital. Eddie Vedder junto al líder de Wolfmother, también, glorioso, tocaron dos temas juntos, con el punto más elevado al realizar Hunger strike.

El setlist fue impecable, el cierre excelente, la acústica muy nítida, los covers no pudieron ser mejores…Es muy difícil de igualar un recital como aquél, imaginen que los últimos cinco temas fueron WHY GO, I BELIEVE IN MIRACLES, HUNGER STRIKE, BABA O’ RILEY y YELLOW LEDBETTER.

En fin, lo que queda son aromas, recuerdos y sonidos hermosos. Lo que viene también, cómo no querer quedarse en este mundo.

Alicia en Cadenas y la silla furiosa

A veces me pregunto si soy el único ser en la tierra que recuerda la primera vez que escuchó un tema de sus bandas preferidas. Todavía tengo en mi mente cuando oí por primera vez "About a girl" de Nirvana, "Tomorrow" de Silverchair o "Ella usó mi cabeza como un revólver" de Soda Stereo.

Alice in Chains es una banda fundamental en mi vida musical. La conocí en el 2004 gracias a La Revista La Mano, que en su primer número traía varias notas sobre Kurt Cobain, mi gran ídolo de mi adolescencia, por el décimo aniversario del fatal escopetazo. Dentro de la revista también se recomendaban discos de la escena grunge como "Badmotorfinger" de Soundgarden, "Vs." De Pearl Jam, "Purple" de Stone Temple Pilots y "Dirt" de la banda que adorna el título del post. Aquel día le pedí a mi hermana que me bajase algunos temas de Alice In Chains. Recuerden que les hablo del 2004, la banda ancha existía a precios altísimos por lo que yo tenía una conexión de 56kb y cada mp3 lo tenía que bajar con programas como el Ares o el WinMX. Recordemos que con viento a favor (Y si el usuario dueño de la canción no se desconectaba) un archivo de MP3 de 4mb tardaba 20 ó 30 minutos en bajarse. Un verdadero dolor de huevos.

El primer tema que escuché fue "Angry Chair". Mi hermana había pulsado "Play" dejando el comentario "ésta está buena" al pasar. ¿Que puedo decir de Angry Chair? Un temón, con un clima opresivo que se rompe cuando el estribillo liberador quiebra todo esquema al grito de "I don't mind yeah!". La voz casi de ultratumba del malogrado Staley nos invita a compartir sus demonios internos y la letra habla de alucinaciones y estados psicotrópicos que no sorprenden si conocemos la conexión entre las drogas y el cantante. Alice in Chains hizo de la angustia existencial (Aquella que terminaría llevando a Layne Staley a una muerte por sobredosis en el 2002) un estilo, y supo brillar en una década en donde el rock todavía era una forma de expresar lo que uno sentía más allá del éxito y la guita.

Me tomé la libertad de traducir la letra de "Angry Chair" para terminar de cerrar la idea:

Angry Chair

Sitting on an angry chair
Angry walls that steal the air

Stomach hurts and I don't care
What do I see across the way, hey
See myself molded in clay, oh
Stares at me, yeah I'm afraid, hey
Changing the shape of his face, ah yeah

Candles red I have a pair
Shadows dancing everywhere
Burning on the angry chair

Little boy made a mistake, hey
Pink cloud has now turned to gray, oh
All that I want is to play, hey
Get on your knees, time to pray, oh

I don't mind, yeah
I don't mind, I-I-I
I don't mind, yeah
I don't mind, I-I-I
Lost my mind, yeah
I don't mind, I-I-I
Can't find it anywhere
I don't mind, I-I-I

Corporate prison, we stay, hey
I'm a dull boy, work all day, oh
So I'm strung out anyway, hey

Loneliness is not a phase
Field of pain is where I graze

Serenity is far away
Saw my reflection and cried, hey
So little hope that I died, oh
Feed me your lies, open wide, hey
Weight of my heart, not the size, oh

I don't mind, yeah
I don't mind, I-I-I
I don't mind, yeah
I don't mind, I-I-I
Lost my mind, yeah
I don't mind, I-I-I
Can't find it anywhere
I don't mind, I-I-I

Pink cloud has now turned to gray
All that I want is to play
Get on your knees time to pray, boy


Silla Furiosa

Sentado en una silla furiosa
Furiosas paredes que roban el aire

El estómago duele y no me importa
¿Qué es lo que veo a través del camino?
Me veo a mi mismo moldeado en arcilla, oh
Parado frente a mi, estoy asustado
Cambiando la forma de su cara, yeah

Tengo un par de velas rojas
Sombras bailan por todos lados
Ardiendo en la furiosa silla

El chico cometió un error, hey
La nube rosa se convierte en gris, oh
Todo lo que quiero es jugar, hey
Arrodíllate, es hora de rezar, oh

No me importa, yeah
Pierdo mi mente, yeah
No la puedo encontrar en ninguna parte
No me importa

En una carcel colectiva estamos, hey
Soy un chico aburrido, trabajo todo el día, oh
Estoy atado de todos modos

La soledad no es una fase
En campos de dolor yo pasto

La serenidad está muy lejos
Ví mi reflejo y lloré, hey
Tan pequeña esperanza que morí
Alimenta mis heridas abiertamente
Peso de mi corazón, no el tamaño

La nube rosa se convierte en gris, oh
Todo lo que quiero es jugar, hey
Arrodíllate, es hora de rezar, oh

De trovadores

"Hi, I'm David Gray, I don't know why I´m here, in the right side of the page, should i be on the center, but probably My tocayo (?) made a mistake, as usual"

Acá va un círculo:

No hay una escala infalible para medir el éxito. Mierda, el éxito ya es una abstracción. Hoy en día -quizás siempre- el sustento del éxito es la masividad, lo cuantitativo. Es exitoso quien más vende, quien más tiene, quien más hace. Entonces, a ese rótulo llamado éxito no hay forma de aceptarlo bajo otras condiciones que no sea la cantidad. Fijensé, simplemente, cómo sería difícil hablar de un músico exitoso si no apoyamos esta afirmación con un número de copias vendidas, un número de seguidores o un número de Hits.

Este aspecto no se aplica únicamente a la música, uno lo puede notar a otros niveles artísticos, hago referencia a la música porque, junto con el Cine, son las dos disciplinas artistas más industrializadas, si se quiere. En el cine, precisamente, el parámetro del éxito es la taquilla. Parece que ese dato -el número de personas apoyando el culo contra una butaca- es la vara que mide el éxito. No importa si la película es una mierda, una remake no reconocida de una antecesora ignota... No importa, mientras venda y sea pochoclera, el éxito le corresponde.

Yo reniego de ello, de esa idea de éxito; de valorar un objeto, un concepto, según la cantidad de adherentes que tiene. Sin embargo, quedo atrapado y paralizado en otra telaraña: el aspecto cualitativo. Deseo que la valoración surja desde la admiración que uno siente por la obra, por el objeto, sin importar el número que los respalda. El problema radica en cómo se valora una obra, y ¿cómo se valora?: comprándosela (?). Entonces estamos como en el principio: ahora resulta que el éxito es la masividad que, a su vez, surge de miles y millones de seres que valoran algo y lo compran.

No me cierra del todo ¿Por qué? ¿Por quién? por David Gray, entre otros. David Gray es un músico que no ha tenido mucha difusión en nuestro país, sin embargo está a la altura de todo lo que hemos importado desde Gran Bretaña en los últimos 20 años. Claro, que esté a la altura no implica que sea parecido a Radiohead, Artic Monkeys, Oasis, Richard Ashcroft y demás cráneos que nos hemos cansado de reproducir por aquí.

Nobleza gaucha obliga, los discos de David Gray son venerados como pocos en Irlanda, país en el que ha llegado a la modesta cifra de 15 millones de copias vendidas. ¿cambia algo eso? no; no hace falta saber esa cifra para reconocer la hermosura en la música del británico, para mi sigue siendo el mismo trovador que hipotecó su casa para financiar su primer disco.

Best Lyric Ever, o por ahí...

David Gray es un tocayo mio que, por algún motivo que desconocemos, fue trasplantado de Inglaterra a Gales de muy pequeño. Tampoco es EL viaje, pues estamos hablado de pocos kilómetros, sin embargo el cambio es significativo en lo cultural y el hecho de que David haya crecido como galés marca una diferencia sustancial con el perfil Inglés. En algún momento alguien le regaló una guitarra, quizás la misma tía Mimi que hizo lo propio con Lennon (?). Lo cierto es que con esa guitarra y con su cabeza dando tumbos, se hizo paso en la historia de la música, dejando una herencia que aún hoy sigue alimentando.

En su repertorio se encuentran canciones como Shine; This Years love; Babylon; lead you Upstairs; My oh My; Be mine; The one I love; Sail Away; y dejo de enumerar porque el post sería una lista de todos los temas de David. Mejor es, por lejos, escuchar algunas de sus canciones y descubrir a este músico que, como bien indica un poeta galés, no hace falta saber el idioma que habla, la emoción va por otras vías. Podés ser analfabeto, pero hay algo en sus melodías que llega como una caricia.

Una buena presentación:

Temazo, también compartido por Pedro Aznar.

Cover me

No hay forma de que hayas escapado al alcance de esta canción. Si eras púber, adolescente o boludo (?) seguramente escuchabas los 40 principales. En ese ranking, de dudosa rigurosidad, la canción que aquí se presenta anduvo primereando por varias semanas. No hubo espacio en cual no se haya reproducido: cumpleaños de quince, casamientos, compromisos, noviecitos granulados con ganas de ponerla y demás eventos donde el sexo femenino era destino de halagos, promesas o, sencillamente, sinceras e inocentes demostraciones de amor.

Si no eras adolescente, ni un boludo ni un veinteañero empedernido (que engloba las dos primeras condiciones) seguramente eras de más de 25, coqueto, te gustaban los jeans Club Ken y las camisas Tavernity -un grasa, resumiendo-. La cuestión es que también escuchaste esta canción en el cine, cuando veías a Hugh Grant y te desopilabas con él en Cuatro Bodas y un funeral. Claro, eras un infeliz que soportaba 120 minutos de Comedia-Romántica sólo para terminar horizontalmente. Todos sabemos que pensabas en fútbol, en Huracán, en Talleres de Córdoba y en la cara de Irusta.

Por si te olvidaste de la canción, te la rememoramos:

Hasta acá todo bien, pero, como nos pasa generalmente con las mujeres, alguien ya anduvo por ahí. La canción no es de ellos, sino de un tal Reg Presley, quién escribió la letra hace 45 años (bueno, en rigor de la verdad faltan algunos meses todavía). Para ese entonces el bueno de Reg integraba The Troggs, una banda desconocida para muchos de nosotros. De aquellos años, mediados y fines de los 60, además de la dualidad Beatles/Stones hemos heredado grandes bandas como The Kinks, The Animals, The Yardbirds y demás, aunque poco se sabe al respecto de The Troggs.

A estos muchachos no les debemos nada, quizás, incluso, hemos ganado vida para nuestros tímpanos, pero no podemos dejar de reconocerles el mérito.

El propósito del Post no es mandar al frente (?) a los Wet wet wet, está claro que ésto es una versión manifiesta; por el contrario, la idea es descubrir o re descubrir canciones que tenemos relacionadas a un artista, cuando en realidad no lo son. Es asombroso cómo, a lo largo de la historia de la música, numerosos hits quedan relacionados como propios de un artista que los interpreta y no de quien es, además de intérprete original, creador de la canción. Un caso emblemático en Latinoamérica es Armando Manzanero, feo y petiso (?), pero le ha dado de comer a muchos de los músicos más reconocidos, desde Luis Miguel hasta Paulina Rubio. Incontables personas con daño cerebral repiten hasta el hartazgo canciones de Alejandro Fernández -con su gran voz, hay que reconocerlo- desconociendo por completo quién fue el cerebro tras esa melodía. Claro, lamentablemente el cerebro de esas canciones, Manzanero, es lo más parecido a Deep Roy, uno de los actores fetiches de Tim Burton, por eso no tiene tanto marketing en este mundo que gira en torno a lo superficial. De todos modos, ese es otro tema.

Esenciales

Destacar a Pedro Aznar por su No-reviente es poca cosa, es subestimar al músico y premiar la buena conducta. Esa es tarea del Rotary club. Sí es cierto que el bueno de Pedro se distancia mucho del estereotipo Músico-Rocker-Argento, aquél que nos produce zombies en serie, ególatras capaces de creer que el volátil éxito es un férreo soporte perpetuo. Aznar sabe de qué trata ésto de la fama y el éxito masivo, no es un dato menor su papel en Seru Girán, banda a la que no pocos consideran como la mejor del Rock Nacional. Al margen de tales postulados subjetivos, es indudable el lugar que tuvo y tiene Seru Girán en la historia del Rock vernáculo, más aún si se toma en cuenta la época que le tocó deambular (fines de los setenta, principios de los ochenta). Algunos dirán "mencionás a Seru Girán y no nombrás a Charly Garcia?" bueno, acá van: Charly García, David Lebón. Todos contentos.

El Post es sobre Pedro y de él hablaremos.

En los últimos días se ha visto a un Pedro Aznar un tanto más mediático que de costumbre, así lo demuestran sus recientes apariciones en Duro de Domar (canal 9), Diario de Medianoche (Telefé) y Qué fue de tu vida (Canal 7). Tanto en el programa de Tognetti como en el noticiero de Telefé, la aparición fue amena: dos o tres canciones, algunas respuestas a preguntas sobre Serú Girán y poco más. Cabe destacar que tanto Paolosky como Tognetti pecaron de aduladores, elogiando en demasía a un músico con perfil bajo; quizás, con otros músicos invitados, hay que hacerles poco menos que una felación para mantenerlos en el programa. No es el caso de Pedro. En el programa de Canal 7, por el contrario, se pudo ver un diálogo más nutrido, un entrevistador (Pigna) con más tiempo para desandar la vida del músico. En rigor de la verdad, y para no ser injusto, no se puede culpar a Tognetti y Paolosky, son parte de una dinámica que no les permite darle más entidad a tales visitas. La televisión es un nido de tangas, sangre, fútbol y personas adictas a si mismos... Pero una guitarra de vez en cuando viene bien.

Una obra maestra de un maestro, a manos de otro maestro: Vos sos mi amor

¿Por qué esta Intro tirada de los pelos? porque en esas apariciones televisivas el músico aprovechó el espacio para difundir su último disco, A solas con el Mundo, como así también las fechas en las cuales realizó y realizará conciertos.

A solas con el mundo es, por lejos, un disco imprescindible. Grabado íntegramente en vivo, mayormente en conciertos del conurbano bonaerense -vieron que no son todos indios (?)- Pedro se hace cargo de todo: canta, toca los instrumentos, corta boletas y acomoda a la gente. Un recorrido por décadas de música, por varios estilos y por regiones dispares: desde Música popular Chilena hasta The Beatles, pasando por por David Gray, Joni Mitchell, Bob Telson y otros artistas reconocidos; todo bajo la voz de Pedro Aznar como denominador común. En algunas canciones, "I´m calling you" "While My guitar Gently Weeps" el Músico respeta a rajatabla la versión original. En otras -"Vos sos mi amor", "Amelia"- el cover cambia de lengua y se mantiene la melodía, un gran gesto de Pedro para con los no-bilingües. De las canciones originalmente en español, "Y arriba quemando el sol" emerge como el tema más intenso del disco, por llamarlo de alguna manera; una versión enfática que matiza perfectamente el contenido de la hermosa letra, autoría de Violeta Parra. El inefable Calamaro, con sus metáforas y rimas para un público copado también se hace presente en el disco, "Media Verónica" pasa por ese hermoso Filtro que es la voz de Pedro y ya no quedan rastros del Calamaro Rock Star (?).

Y arriba quemando el Sol, excelente interpretación:

No es cuestión de deshacerse en elogios, pero el disco está re bueno (?).

Más música popular, de acá, papá (?):

Pedro Aznar representa un mundo a descubrir dentro de la música Argentina y Latinoamericana. Un hombre que siente la música y la vida. Las Ama. Un artista que tiene la capacidad suficiente para crear sus propias canciones y versionar todo aquello que es de su agrado.

No se dirá hoy todo lo que hay para decir sobre Pedro, en nuevas entregas trataremos de destacar su placa/homenaje a Borges; su desempeño junto a pat metheny y demás trabajos del músico nacido en Liniers.

Cerati en los 90's (Parte III)

Sueño Stereo, Soda Stereo (1995): Ya había reseñado que los 90's eran la etapa más fértil de la banda y éste disco terminó siendo la frutilla del postre y el último disco de estudio de Soda. Éste álbum contiene reminiscencias de Brit-pop con temas tranquilos y letras bellísimas, tal vez las mejores de Gustavo en el grupo. Tiene varios temas de gran factura como "Disco Eterno", "Ella usó mi cabeza como un revólver" y "Efecto doppler", dos de las mejores canciones sobre rupturas que he escuchado en mi vida.

Frases destacadas:

- "Era una piedra en el agua seca por dentro" Ella usó mi cabeza como un revólver

- "Después de un baño cerebral estaba listo para ser amado" Ella usó mi cabeza como un revólver

- "Pasa el tiempo y ahora creo que el vacío es un lugar normal" Ella usó mi cabeza como un revólver

- "Practicar no te hace perfecto" Disco Eterno

- "En ésta hiperhistoria todos quieren un flash y pocos algo para ver" El ojo de la Tormenta

- "Mira el arco suena a lágrimas cada vez que lo tensas" Efecto doppler

- "Aún tengo al sol para besar su sombra" Ángel eléctrico

- "Recordé sus gustos conversación astral, las canciones que oíamos y subí..." Crema de estrellas

- "No fue suficiente fé una vez por semana" Planta

Comfort y música para volar, Soda Stereo (1996): Éste disco reúne las canciones que tocó la banda para el MTV unplugged. Soda fue la primer banda en éste tipo de concierto en tocar con guitarra eléctrica y el resultado fue un show inolvidable que reversiona de gran manera los hits de la banda. Hay que destacar la versión con Andrea Echeverri de Aterciopelados de "En la ciudad de la furia", la mejorada "Un misil en mi placard" y la melancólica "Terapia de amor intensiva". También reluce lo bien que quedaron los acordes de "Cementerio Club" en el tema "Té para 3" o la gran versión que toca el grupo de "Génesis" de Vox Dei. En la primera edición del disco se agregaron 3 temas de estudio llamados "Planeador" (lejos el mejor), "Coral" y "Superstar".

Frases destacadas:

- "Soy piloto de juguetes entre nubes voy" Planeador

- "En cada mínimo detalle creo oír tu voz" Planeador

- "Corre y sueña bajo el sol siente que lo alcanza, liberada del temor de volver a casa" Coral

Bocanada, Gustavo Ceratii (1999): Entre la despedida de Soda Stereo y su primer disco solista pasaron 2 años en los que Gustavo hizo de todo, como 2 discos de música electrónica con la banda Plan V y uno con el proyecto que hizo con Flavio Etcheto llamado Ocio, pero ninguno de los 2 me han interesado por no seguir "el formato canción". Bocanada es un disco extraño, que simula ser frío al principio para enamorarte más tarde. Hay mucho sampler, poca guitarra pero abunda la inspiración que acompañada por la voz de Gustavo es un deleite. El disco contiene temazos como "Engaña", "Puente", "Río Babel" o "Beautiful". Las letras por lo general describen paisajes, ríos y selvas. Muy recomendado.

Frases destacadas:

- "Corrí hasta alcanzarte y vencí la sórdida sed" Tabú

- "Todo comenzó en un cuarto que olvidé, el roce de la seda la despertaba" Engaña

- "Hoy te busqué en la rima que duerme con todas las palabras" Puente

- "Desordené átomos tuyos para hacerte aparecer" Puente

- "Arriba el sol, abajo el reflejo de cómo estalla mi alma" Puente

- "Cruza el amor, y cruzaré los dedos" Puente

- "Si en tus ojos hay diluvio, en los tuyos veo destino" Perdonar es divino

- "Albinos parpadean bajo el sol temido" Aquí & Ahora (Parte I)

Hasta acá llegó mi "informe" sobre Cerati en los 90's, espero que a alguien le haya servido para escuchar a un artista q se lo extraña cada vez más.

Cerati en los 90's (Parte II)

Sigo con esta nota que intenta despojar a las personas que desconocen la verdad de que Cerati y Soda son sólo lo que pasan en la Mega, y de paso repasar la carrera de la década del 90 de este gran artista.

Rex Mix (1991) y Zona de Promesas (1993), Soda Stereo: El primero es un disco que contiene algunos temas en vivo de los 14 Gran Rex que hizo en su momento Soda y el segundo es un olvidable LP con remixes varios. Pero ambos tienen una canción nueva . En Rex Mix aparece el tema "No necesito verte para saberlo" hecho con Melero que no es destacable a pesar de que parece salido del disco Colores Santos. En cambio en Zona de Promesas se encuentra el tema que le da el título al compilado, que es una gran balada con letras aciagas que derivan en un final esperanzador.

Frases de los discos
-"Entre las fieras andas segura, tan profunda tan casual" No necesito verte para saberlo
-"Mamá sabe bien perdí una batalla, quiero regresar sólo a besarla" Zona de Promesas
-"No está mal sumergirme otra vez, ni temer que el río sangre y calme" Zona de Promesas

Colores Santos, Gustavo Cerati y Daniel Melero (1992): El Cerati de la década del 90' se particulariza por estar adelantado a su época a nivel nacional en cada disco, y Colores Santos no fue la excepción. Realizado con su amigo Daniel Melero, que tiene reminiscencias más electrónicas que Gustavo, éste disco hipnótico mezcla samplers con la voz de Cerati que se luce una vez más. Tiene temas grandiosos como "Vuelta por el universo" y "Hoy ya no soy yo". Sigue sonando actual a pesar de que pasaron 18 años.

Frases del disco
-"Hoy que estás espléndida y que todo lo iluminás, demos un paseo" Vuelta por el universo
-"Entre planetas navegar, atentos a un sonido que no cesa" Vuelta por el universo
-"Abrazar lo tierno hasta prescindir del miedo" Tu medicina
-"Te extraño en las tardes quizás no es amor lo que me hace buscarte" Colores Santos


Amor Amarillo, Gustavo Cerati (1993): Tal vez el disco más personal de Gustavo. En una época muy importante de su vida debido a que su mujer estaba embarazada de su primer hijo Benito. Grabado en su estudio casero "Amor amarillo" es un disco intimista que refleja el buen momento de Gustavo a nivel personal. El título se refiere al sol, que inspiró a Cerati por su vitalidad. Recomiendo el tema que le da el título al disco y "Lisa", que curiosamente, sería el nombre con el que Gustavo llamaría a su segunda hija.

Frases del disco
-"Explosiones en tus ojos" Amor amarillo
-"Hay algo en el aire, un detalle infinito y quiero que dure para siempre" Amor amarillo
-"Siempre fue divertido correr, dejar a este mundo detrás" Lisa
-"En viaje hacia la redención la luz no deja de pulsar" Pulsar
-"Creo en el amor porque nunca estoy satisfecho" Pulsar
-"Es que la vida es gas y es tan dulce traspasarla" Pulsar
-"Cuando uno no ama compra" Cabeza de medusa
-"Tomar la dosis y levitar atado a tu belleza inconsciente que mece mi espíritu y cuelga" A merced

Continúa...

Cerati en los 90's (Parte I)

Cerati no se murió, Cerati no se murió!!! Mientras Gustavo se debate entre la vida y la muerte trataré de hacerle un pequeño homenaje a mi manera. No, no (?), no voy a hacer una carta abierta a La Parca reclamándole que en la lista estaban antes el Pity Alvárez o Charly García, ni tampoco voy a contar la vida del genial cantante. En cambio voy a escribir sobre la obra de Cerati en los 90's mi década preferida por excelencia (excepto..ejem...cof cof (?)... por el hijo de puta de "Méndez") y en la que a mi gusto Cerati estuvo más inspirado que nunca. Además rescataré las frases de las canciones que Gustavo adornó con su hermosa prosa. Ahí Va...mos

Canción Animal (1990), Soda Stereo:Vale aclarar que Zeta Bosio y Charly Alberti me encantan como músicos pero la verdad es que Gustavo Cerati era el 90% de Soda Stereo. Era el que componía todos los temas y el que les adosaba su letra, por lo tanto el guiaba musicalmente a la mejor banda argentina.
Canción Animal es el quinto disco de la banda que había alcanzado la madurez a finales de los 80. En éste LP la banda se convierte más que nunca en un power trio en donde la guitarra predomina y la batería siempre acompaña con fuerza desde atrás. Brillan temazos como "Música Ligera", "En el séptimo día", "un millón de años luz" y "Entre caníbales".

Frases del disco: "Nos Revolcamos en el jardín por donde nadie pasa" Un millón de años luz
-"No me sirven las palabras, gemir es mejor" Canción Animal
-"Nena nunca voy a ser un superhombre" Sueles dejarme solo
-"Afuera el frío embiste, adentro el vértigo" Sueles dejarme solo
-"Una eternidad, esperé este instante" Entre caníbales
-"Las tazas sobre el mantel, la lluvia derramada, un poco de miel, un poco de miel no basta" Té para tres


Dynamo (1992), Soda Stereo: Disco noventoso si los hay. Un LP alternativo en su misma esencia, Soda empieza a sonar Indie influenciados por la movida alternativa que se daba en USA e Inglaterra con bandas como My bloody Valentine a la cabeza. Fue un riesgo hacer este disco pero el resultado fue óptimo, el mejor de la banda para mi humilde gusto. El disco abre con la hermosa "Secuencia inicial" y dsp pasa la distorsión de "En remolinos" (para quién suscribe el mejor tema de Soda), el mensaje agónico de "luna Roja", la fuerza de "primavera 0", la melancolía de "Fue" para cerrar con la bella "Texturas". El disco es un manual de como evolucionar como banda y seguir convocando. Discazo.

Frases del disco: "Mójate los labios y sueña" Secuencia inicial
-"Florecer mirándote a los ojos, perfección" En remolinos (Hermosa frase)
-"Camaleón, se armó la escena justa vos y yo juntos somos como un templo" Camaleón
-"Disparé una frase al viento y una mujer cayó" Texturas
-"Ella juega en el sillón, está descalza, algo sobrenatural la desplaza" Sweet sahumerio
-"Bajo el sol de Abril y sin saber porqué estoy sudando en nuestra fé, que no para de crecer" Nuestra fé
-"Tantas veces te vi simulando un olvido" Fue
-"Me embriagué hasta el vacío con tu miel venenosa, fuiste mía y el hastío nos llevo al desengaño" Fue

Continuará .....

El gigante dormido

Algunos recuerdos (pensamientos que vienen como mariposas, diría Eddie Vedder) colisionan abruptamente y me llevan a creer que escuché a Roy Orbison antes de haber nacido. Ésto puede ser, técnicamente uno no hace nada antes de nacer, salvo enroscarse como un suicida y chapotear en líquido, pero es posible que involuntariamente la panza de mi vieja haya captado algunas ondas del músico norteamericano. Claro, entre tanto tuvo que hacerse presente algún poema de Belisario Roldán y el vozarrón de mi viejo cantando México lindo y querido.

Las primeras impresiones de Roy me las brindó un cassette original, en cuya contratapa se leían los títulos de las canciones traducidas literalmente –y arbitrariamente- al español. A pesar de nuestra empatía con lo retro, haber eliminado esas traducciones traídas de los pelos son lo mejor que le pasó a la música: No imagino un cassette de Pearl Jam en el cual se lea: “Mermelada de Perlas” y en el nombre del disco “Diez”. Agradezco al cielo que eso no haya ocurrido.

Ahora, lo que verdaderamente importa:

Según Wikipedia, Roy orbison es tan humano como todos nosotros. Ésto implica haber cumplido el ciclo biológico común a nuestra especie, aquél que comienza con una buena cachetada en el culo y termina con el llanto de todos aquellos que lamentan tu desaparición física. En el medio, claro, uno debe reproducirse; buscar una chica que sepa jugar, que sepa cocer (?) y perpetuar ese sentimiento incomprensible y enfermizo que te lleva a decir "Te amo". El amor entre seres es tema de discusión para otro día, para otro post, para otro posteador. Hoy es el día de Roy Orbison, el amor universal hecho música.

Como sabemos Roy Orbison nació, al menos en eso ya superó a Shakespeare, al cuco y a las fuentes cercanas de Majul que, si bien tienen cierta entidad para determinados fines, no sabemos a ciencia cierta si han caminado por el valle de la vida. No es cuestión de este post especificar fechas, lugares o qué puesto le dio la Billboard a los temas de Orbison; todo eso está en Internet y podrán corroborarlo, si les interesa.

La carrera de Roy estuvo acompañada de éxitos mesurados, por llamarlos de alguna manera; una linealidad constante en la cual se mantuvo siempre creativo. Sin que se lo considere un rey o un semi-dios, logró captar permanentemente la atención de una audiencia a la que nunca defraudó. Su consagración no fue por efervescencia: nunca fue el rey de nada, tampoco tuvo que rebajarse a tocar en convenciones de tupperware o en hoteles tres estrellas para cincuentonas zarpadas en koleston.

Para la opinión pública, Roy tuvo su punto más destacado con el Hit "Oh, pretty woman"-en este video está más parecido a mi tía Olga que a un Rockero (¿)- cuyo suceso no conmovió al bueno de Orbison, quien siguió trabajando, sintetizando nuevos temas que jamás perdieron la frescura ni la buena base melódica que lo acompañaron durante toda su vida. Tampoco renegó de su gran hit, hablando en función de la llegada masiva que éste tuvo, sino que lo valoró hasta el final de su carrera, sin llegar a saturar con la canción. Supo mantenerse en ese páramo justo, en el cual no se reniega de un éxito, ni tampoco se lo exprime hasta el hartazgo. En todo caso, la película protagonizada por Richard Gere y Julia Roberts -y el impacto que ella tuvo- expusieron masivamente el hit de Roy.

En rigor de la verdad, es prudente observar que no todas las canciones de Roy Orbison son de su autoría: muchas de sus canciones corresponden a otros músicos, lo que resalta aún más sus cualidades como intérprete. A su vez, Roy Orbison ha sido versionado por innumerables artistas, desde Bruce Springteen hasta Michael Bolton

En cualquier greatest hits de Roy Orbison, además del mencionado “¡Oh pretty woman”, se pueden encontrar canciones como “Only the lonely” “In dreams” “Blue Bayou” “Crying” “Love hurts” “Wild Hearts (run out of time)” y éxitos más recientes como “You got it” –quizás el segundo Hit de Roy que haya sufrido más reproducciones en las radios argentinas- “California Blue” “A love so beautiful” y tantos otros temas. Los últimos tres temas enunciados coinciden en un disco fundamental: Mistery Girl.

Mistery Girl es, sin lugar a dudas (y al que duda le caben 7 años de maldición, con la voz de poroto cubero y la cara de Jairo Patiño) uno de los discos más completos que hayan existido. No es un disco emblemático de Rock, como los que se sucedieron en el primer lustro de los 90, en la década del 70 ó en los años 60; es un disco completo a otro nivel. Un disco cuyo concepto se describe con una sola palabra: Nostalgia. Un cancionero que enumera personas, sentimientos y lugares que ya no están, o en todo caso que no existen para quien las evoca. La nostalgia tiene su punto más álgido en la canción "In the real world" en la cual Orbison lamenta no poder vivir -¿perpetuarse?- en los sueños... Si eso no es nostalgia, que me mate Giordano a cachetazos, por favor. Uno puede estar de acuerdo en que hay cosas que se pierden, pero, salvo por causa de muerte, se puede volver siempre hacia un lugar, a una persona, a un viejo amor, no así a los sueños. Los sueños son una perfumada cortina de humo, que se desvanece mientras uno trata de hacerla tangible. Roy, qué grande sos.

Podría perderme en enumeraciones y valoraciones subjetivas sobre este disco: “California Blue” es un goce para todos aquellos que, manipulación mediática mediante, nos sentimos atrapados por todas las playas de California, nos fascina San Francisco, Los ángeles y San Diego, aunque no tengamos idea qué hay allí. “She´s a mistery to me”, canción compuesta por Bono de la cual se desprende el nombre del disco, es una hermosa balada que nos rememora el momento inicial de todo enamoramiento, cuando entre idealizaciones e intrigas vamos configurando la imagen de la persona amada. En resumen, no pueden cerrarle la puerta a este mundo sin haber oído Mistery Girl.

Lamentablemente, en Youtube no hay, casi, presentaciones de Roy Orbison; dicen que, al igual que con el monstruo del Lago Ness, cada vez que lo iban a filmar se les olvidaba la cinta o quitar la tapa de la cámara...

Como canapé, "she´s a mistery to me":

De regalo, "Crying"

Y como me levanté macanudo (?), "Dream Baby" acompañado de otros artistas